Os live actions de animações ainda têm algo novo a oferecer?
Na última década, Hollywood transformou os live actions de animações em uma de suas principais apostas comerciais. Disney e DreamWorks passaram a revisitar alguns de seus maiores sucessos, adaptando histórias conhecidas para o formato com atores reais e efeitos visuais sofisticados. Em alguns casos, as produções alcançaram resultados expressivos de bilheteria, mesmo diante de uma recepção crítica dividida.
Ao longo desse período, títulos como Alice no País das Maravilhas (2010), A Bela e a Fera (2017), Aladdin (2019) e O Rei Leão (2019) arrecadaram mais de US$ 1 bilhão mundialmente, consolidando os remakes como um dos modelos de negócio mais lucrativos da indústria.
Nos últimos anos, porém, esse cenário começou a apresentar sinais de desgaste. Após mais de uma década de adaptações, parte do público parece esperar mais do que uma simples recriação de uma história já conhecida.
O live action de Moana, lançado em julho de 2026, tornou-se um dos principais exemplos dessa discussão. Embora reproduza grande parte do filme original de 2016, incluindo enquadramentos, diálogos, estrutura narrativa e músicas, o longa vem registrando um desempenho abaixo das expectativas comerciais. Com duas semanas de lançamento, o longa arrecadou aproximadamente US$177,3 milhões mundialmente, sendo US$81 milhões nos Estados Unidos e US$96,3 milhões no mercado internacional. Para uma produção com orçamento estimado em cerca de US$250 milhões, os números ficaram abaixo do esperado.
Mais do que discutir a qualidade do filme, o caso reacende uma pergunta que acompanha Hollywood há alguns anos: o público ainda quer revisitar histórias conhecidas ou espera que essas adaptações tragam algo realmente novo?
O que um live action deveria acrescentar?
Adaptar uma animação para o formato live action significa muito mais do que substituir personagens desenhados por atores. Em teoria, uma nova versão oferece a oportunidade de reinterpretar uma obra, aprofundar personagens, expandir seu universo ou revisitar temas sob uma perspectiva contemporânea.
Essa abordagem já foi adotada por algumas produções recentes. Malévola (2014), por exemplo, recontou a história de A Bela Adormecida sob o ponto de vista da antagonista, transformando completamente a narrativa original. Já Cruella (2021) explorou a juventude da vilã de 101 Dálmatas, propondo uma história inédita em vez de apenas reproduzir o desenho animado.
Mesmo adaptações que dividiram a crítica, como Mulan (2020), buscaram modificar aspectos importantes da obra original ao remover elementos musicais e alterar parte da construção da protagonista.
Esses exemplos mostram que a simples mudança de formato não precisa ser o único objetivo de um remake. Em muitos casos, a adaptação encontra sua justificativa justamente quando propõe uma nova leitura da história.
A falta de novidade pode estar afastando o público?
Durante a década de 2010, a estratégia dos remakes parecia praticamente infalível. O reconhecimento imediato das marcas, aliado ao apelo nostálgico, transformava cada lançamento em um grande evento cinematográfico.
No entanto, o comportamento do público parece ter mudado. Embora algumas adaptações continuem obtendo bons resultados comerciais, como Mufasa: O Rei Leão (2024) que arrecadou US$722,6 milhões com um orçamento de US$200 milhões, outras passaram a enfrentar recepção mais fria tanto da crítica quanto da audiência.
Nesse contexto, Moana (2026) surge como um caso simbólico. Diferentemente de outras adaptações que buscavam reinterpretar seu material de origem, o filme opta por reproduzir cena por cena a experiência da animação lançada apenas dez anos antes, repetindo inclusive atores do elenco original.
A proximidade entre as duas versões levanta uma questão importante: quando o público já conhece a história, os personagens, as músicas e até mesmo os enquadramentos, existe motivação suficiente para assistir à mesma história novamente?
A nostalgia se tornou um modelo de negócios?
Um dos fatores que ajudam a explicar a continuidade desses projetos é seu baixo nível de risco comercial quando comparado ao lançamento de histórias inéditas.
Ao adaptar uma animação já consolidada, os estúdios trabalham com personagens já conhecidos pelo público, reduzindo os riscos sobre o potencial de mercado da produção.
Existe ainda um componente geracional importante. Muitos espectadores que cresceram assistindo a essas animações hoje levam seus filhos aos cinemas, criando uma nova oportunidade de consumo para histórias já estabelecidas.
Além da bilheteria, essas obras fortalecem outras áreas de negócios das grandes empresas de entretenimento, como plataformas de streaming, parques temáticos, produtos licenciados, brinquedos, livros e campanhas publicitárias.
Nesse contexto, a nostalgia deixa de representar apenas um sentimento do público e passa a funcionar como um ativo econômico extremamente valioso para os estúdios.
O que se perde na transição para o live action?
Nem toda animação foi feita para funcionar da mesma maneira em um ambiente realista.
A linguagem da animação permite exageros físicos, expressões faciais estilizadas, movimentos impossíveis e uma liberdade visual que dificilmente pode ser reproduzida por atores ou efeitos digitais sem alterar parte de sua identidade.
Além disso, cores vibrantes, ritmo acelerado e humor físico costumam fazer parte da própria construção narrativa dessas obras.
Um dos exemplos mais recentes dessa transformação pode ser observado em Moana. Na animação de 2016, o oceano funciona praticamente como um personagem, expressando emoções, interagindo diretamente com a protagonista e se movimentando de forma lúdica e exagerada. A água brinca e protege Moana e reage aos acontecimentos da história, explorando possibilidades que apenas a animação permite.
Na versão em live action, a busca por um visual mais realista faz com que boa parte dessa personalidade seja suavizada. Embora os efeitos visuais reproduzam tecnicamente o comportamento da água, o oceano perde parte da vivacidade, da expressividade e do caráter quase infantil que marcavam a obra original. O resultado evidencia um dos principais desafios dessas adaptações: quanto mais se aproxima do realismo, mais difícil se torna preservar elementos que funcionavam justamente por não estarem presos às limitações do mundo real.
A discussão, portanto, não é se o live action é tecnicamente superior, mas se o realismo necessariamente representa uma evolução para todas as histórias. Em determinadas obras, a força da narrativa está justamente na liberdade visual proporcionada pela animação, e transformá-la em algo mais próximo da realidade pode significar abrir mão de parte da identidade que fez aquele universo conquistar o público.
Quando um live action realmente faz sentido?
Apesar das críticas direcionadas ao grande número de remakes produzidos nos últimos anos, isso não significa que toda adaptação esteja condenada a ser apenas uma reprodução.
Há situações em que um live action pode ampliar significativamente o alcance de uma obra. Atualizar temas para uma nova geração, aprofundar personagens pouco desenvolvidos, corrigir aspectos que envelheceram mal ou apresentar uma nova perspectiva narrativa são caminhos capazes de justificar artisticamente uma adaptação.
Talvez a principal questão não seja a existência dos remakes em si, mas o propósito que eles desempenham. Quando uma adaptação encontra uma nova maneira de olhar para uma história conhecida, ela amplia o significado da obra original. Quando apenas a reproduz com o intuito apenas de gerar dinheiro, a discussão inevitavelmente deixa de ser artística e passa a girar em torno da necessidade comercial do projeto.
Depois de mais de uma década de remakes, talvez o desafio dos estúdios já não seja convencer os espectadores a voltar ao cinema, mas mostrar por que aquela história precisava ser contada novamente.
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